Es una verdadera lástima que el director Steve De Jarnatt no haya continuado su carrera en cine para dedicarse a la televisión (con series como "Lizzie McGuire"). Por suerte nos quedaron dos joyas de culto. Su ópera prima post-apocalíptica "Cherry 2000" (1987) con Melanie Griffith interpretando a una bella pelirroja y violenta caza recompensas que ayuda al protagonista a conseguir un androide amante que ya no se fabrica, el cual da título a la película, en una zona peligrosa.
Su siguiente y última obra cinematográfica, la apocalíptica "Miracle Mile" (1988), nos cuenta la etapa previa a una gran catástrofe que puede llevar a la extinción de la humanidad. Filmada a fines de los años ochenta concordando con el final de la Guerra Fría y el pánico nuclear característico de la década, este filme de ciencia ficción protagonizado por el conocido actor Anthony Edwards ("Top Gun", "ER", "Revenge of the Nerds", "Zodiac") y Mare Winningham ("Turner & Hooch", "Brothers", "Under the Dome"), sin apenas efectos especiales, rodada en Los Ángeles y con un presupuesto muy modesto. La película fue un fracaso de taquilla pero con el correr de los años logró convertirse en un clásico de culto de la ciencia ficción. La trama es muy similar al episodio de "La dimensión desconocida" ("Twilight Zone") llamado "A Little Peace and Quiet" (1985) que a su vez está basado en el clásico capítulo "Time Enought at Last" (1959) de la serie original.
¿De qué va la cosa?
Chico conoce chica. Se enamoran. Quedan en encontrarse por la noche. Sin embargo él se duerme y llega tarde a buscarla a su trabajo. Entonces accidentalmente él recibe una llamada telefónica anónima en una cabina cercana que le alerta con voz de pánico sobre una serie de acontecimientos bélicos que apenas puede llegar a comprender. Se trata de algo acerca de unos misiles nucleares que han sido lanzados por parte de los rusos en represalia a un ataque preventivo de los Estados Unidos y que abocan a la población a tener que resguardarse ante lo que es un peligro real de destrucción masiva del planeta. El hombre al otro lado de la línea telefónica piensa que está hablando con su padre y no sabe que se ha equivocado de número. Al amanecer las bombas nucleares caerán en la ciudad. La guerra nuclear ha comenzado... y nadie en el mundo lo sabe. Entonces él decide buscar a la chica, y comienza una desesperada huida por toda la ciudad hacia un final inevitable.
Lo que comienza como una comedia juvenil pasa a ser un filme de aventuras nocturnas al estilo de "After Hours" (1985) de Martin Scorsese cuando el protagonista se encuentra en el bar de carretera con una serie de personajes noctámbulos y taciturnos, para terminar con una frenética historia de ciencia ficción. La gracia que sustenta el misterio del filme es la de que durante todo la trama jamás se informa al espectador de si todo se ha tratado de una simple broma o realmente el planeta se halla al borde del colapso nuclear. El interés crece a medida de que se va agotando el tiempo límite de huida hacia alguna parte. La cámara se mueve velozmente para mostrarnos la miseria humana llevada a su extremo más absoluto, en un in crescendo imparable de locura y enajenación donde se alternan escenas de saqueo y asesinatos con un montaje espléndido. Pero no será hasta la última escena cuando todo quede aclarado.
Mención aparte merece el director de fotografía, veterano cineasta holandés Theo van de Sande, en la que fue una de sus primeras
y más meritorias obras (luego vendrían otras con una impronta más impersonal como "Blade", "Cruel Intentions", "Volcano").
Por último, destacar la envolvente música compuesta por
Tangerine Dream, una banda alemana de música electrónica pionera del space rock
y en el uso de los sintetizadores.
“Alone
in the Dark” (1982) fue la primera película producida por New Line Cinema,
actualmente una de las productoras más importantes de Hollywood. También fue el filme con el que debutó el director Jack Sholder (“The Hidden”, 1987; “Wishmaster 2: Evil Never Dies”, 1999), quien
volvería a trabajar para Robert Shaye y New Line Cinema en la película “A
Nightmare on Elm Street Part 2: Freddy's Revenge” (1985).
Atención
gamers, esta película no tiene relación alguna con los videos juegos ni con la
bazofia de cinta del mismo título realizada en el año 2005 por el director Uwe Boll
basada en dichos juegos. Una vez aclarado ese tema, podemos continuar.
Sholder que
aparte de dirigir también escribió el
guión del filme, se inspiró en los escritos del psiquiatra escocés R. D. Laing,
quien teorizaba que los psicópatas eran en realidad personas que tenían
problemas de adaptación a un mundo ya de por sí psicótico. El personaje del Dr.
Leo Bain se supone que es una especie de parodia a Laing.
Gran y
atípico slasher ochentoso de culto que
se aleja de los lugares comunes del subgénero. La película trata sobre el
doctor Dan Potter (Dwight Schultz), que es un joven profesional que comienza a
trabajar en el Haven Institute de New Jersey, un hospital psiquiátrico dirigido
por el excéntrico Dr. Leo Bain (Donald Pleasence). Rápidamente Potter descubre que los
métodos utilizados por Bain son bastante inusuales.
En el
tercer piso de dicha clínica se encuentra el pabellón de máxima seguridad donde
se aloja el esquizofrénico y psicópata veterano de Vietnam, el coronel Frank Hawkes (Jack
Palance); Byron Sutcliff (Martin Landau), un pastor piromaníaco amante de
incendiar iglesias con gente dentro; un obeso violador de niños, Ronald Eister
(Erland Van Lidth) y un hemofílico homicida estrangulador obsesionado con
ocultar su rostro, John Skaggs (Phillip Clark). El
director de la clínica está en contra de encerrar a los pacientes peligrosos
entre rejas y los enfermos conviven en un piso especial operado por un
sofisticado sistema electrónico que permite abrir y cerrar las puertas cuando
los doctores lo dispongan. De esta manera los pacientes
viven en un clima mucho más distendido donde no tienen la sensación de estar
confinados en una prisión. Los
psicópatas no aceptan al nuevo doctor Potter, ya que el coronel le asegura
al resto del grupo que el hombre mató al médico anterior que solía atender el pabellón, el Dr.
Merton, y que sólo trabaja en ese lugar porque quiere matarlos a ellos también.
Potter es amenazado de muerte, pero no le da importancia al hecho ya que los
locos no tienen posibilidad de salir del
lugar. Eso cambia cuando se produce un apagón general en la ciudad, dando
inicio a una serie de saqueos y
obviamente los psicópatas del tercer piso, liderados por Jack Palance, se
escapan del hospital iniciando una cadena de asesinatos por donde pasan, cuyo
objetivo final será acabar con la vida del Dr. Potter.
La
fotografía estuvo a cargo de Joseph
Mangine, un experimentado en el género de terror, que trabajó en películas como
“Alligator” (1980), “Mother’s Day” (1980), “Squirm” (1976), entre otras. En “Alone
in the Dark” logró una fotografía fría que transmite la opresión y la oscuridad
de la trama. Otro
dato interesante es que la película fue una de las primeras en utilizar el
sistema de sonido Dolby Stereo.
El
artista de efectos especiales y de maquillaje Tom Savini (“The Prowler”,
1981; “Maniac”, 1980; “The Burning”,
1981) fue contratado específicamente para crear al horrible monstruo que
aparece en la escena de la alucinación del personaje de Toni Potter (Lee Taylor-Allan).
Savini consigue ese efecto sorprendente, cubriendo a un actor en una mezcla de
jabón y de arroz Krispies. Otra
rareza de “Alone in the Dark” es el increíble elenco que posee, impensado para
los típicos slashers de la época. Contando con actores de lujo como Jack Palance,
Martin Landau, Donald Pleasence (volviendo a interpretar a un psiquiatra pero
totalmente opuesto a su recordado personaje del Dr. Loomis de la saga “Halloween”)
y Dwight Schultz (“Howling Mad” Murdock de la serie televisiva estadounidense “The
A- Team”) como el doctor acosado por los psicópatas. La hermana del productor Robert Shaye
(Lin Shaye) tiene una pequeña e interesante participación en la película como
la recepcionista “especial” del hospital psiquiátrico. Mención
aparte merece la escena en la que el violador de niños dice que vive en
Springwood que es la ciudad ficcional donde se desarrolla la saga “A Nightmare
on Elm Street” (producida también por Robert Shaye y New Line Cinema), hogar
del famoso violador de niños y asesino serial que ataca en los sueños, Freddy
Krueger.
Este
slasher fue el primer filme en presentar a un psicópata asesino luciendo una
máscara de hockey, algo que luego quedaría relacionado por siempre a Jason
Voorhees de la saga “Friday the 13th”. Aunque muchos piensen que el director
Sholder plagió descaradamente al asesino de Crystal Lake, lo cierto es que “Alone
in the Dark” ya estaba filmada un año atrás y que debido a problemas de
distribución recién se pudo estrenar unos meses después de la tercera entrega
de la saga “Friday the 13th”. Sholder no podía creer que en la nueva película
de esa rendidora franquicia del cine de terror, el querido Jason comenzaba a usar
una máscara de hockey (la cual nunca más volvería a quitarse) al igual que uno
de los asesinos de su película. En el momento de su estreno en cines “Alone in
the Dark” no tuvo mucho éxito debido a que quedó eclipsada por tanques del
género como “Friday the 13th Part III”
(1982) que utilizaba el 3D. Pero con su edición en video poco a poco se fue
convirtiendo merecidamente en un clásico de culto.
“La mente moviéndose rápido es locura. La mente lenta es cordura. La mente detenida es Dios”.
Esta obra de cine independiente de culto fue el primer y único largometraje dirigido por Herk Harvey (1924 - 1996), quien contaba con una extensa carrera como realizador de documentales y cortometrajes educativos, formativos y promocionales para Centron Films.
El guión de John Clifford guarda unas cuantas similitudes con "The Hitchhiker", una obra de teatro radiofónica escrita por Lucille Fletcher. Emitida en la radio en 1941 e interpretada, entre otros actores, por el mismísimo Orson Welles, fue posteriormente adaptada a la televisión en un episodio de la emblemática serie "The Twilight Zone" igualmente titulado "The Hitch-Hiker" (1960) de Alvin Ganzer.
La fotografía, en blanco y negro, le otorgó un estilo expresionista que dotó al conjunto de una atmósfera oscura e inquietante, creando un ambiente fantasmagórico, surrealista y espeluznante.
Uno de los puntos más destacables del filme es la terrorífica atmósfera que recrea. Sin mostrar en ningún momento ningún asesinato, ni escena sangrienta, consigue mantener al espectador tensionado durante todo el metraje. Ese es el terror verdadero, inquietar sin apenas mostrar, producir miedo sin saber exactamente a qué. Ese umbral entre el mundo de los vivos y el de los muertos con fantasmas, imaginarios o no, que se le aparecen a la protagonista, son argumentos suficientes para considerarla como una de las películas más terroríficas de la historia.
Mención aparte merece la magistral banda sonora compuesta por Gene Moore que genera una ambientación hipnótica y surrealista.
La inversión escasa en efectos especiales se suplió con grandes dosis de ingenio y los actores contratados fueron lógicamente amateurs (personas del pueblo que se iban cruzando durante el rodaje). Por ejemplo, el equipo técnico (compuesto por cinco personas) y la actriz entraron a una tienda de ropa y le dieron veinticinco dólares al dueño para filmar una escena allí. Mientras filmaban dicha escena vieron que entró una clienta al local y le dieron también veinticinco dólares por filmarla e ignorar a la actriz mientras le hablara a ella. Cuando terminaron, vieron un taxi afuera y le pagaron diez dólares al taxista por seguir de largo cuando Hilligoss tratara de que se detuviera para tomarlo. La protagonista, Candace Hilligoss, había trabajado como bailarina, actriz de teatro y de televisión, pero no tenía experiencia en el cine. El propio Herk Harvey se reservó un pequeño pero trascendente papel: el líder espectral y principal acosador de la protagonista.
Se la considera una película maldita porque al igual que sucedió con el director y con el guionista, Hilligoss no tuvo mucha suerte en el cine. Luego de "Carnival of Souls", la actriz solamente intervino en otro título más curiosamente también ligado al género del terror: "The Curse of the Living Corpse" (1964) de Del Tenney.
Esta película sirvió de inspiración al director George A. Romero para realizar su obra maestra del terror "Night of the Living Dead" (1968). Desgraciadamente ambos directores, Romero al igual que Harvey, por no entender las reglas del negocio cinematográfico o por no tomar los recaudos suficientes sobre los derechos de autor, terminaron siendo estafados en su momento y perdieron los derechos sobre sus películas. Pero con el paso del tiempo obtendrían un postergado y merecido reconocimiento.
En 1998 "Carnival of Souls" tuvo una olvidable remake producida por Wes Craven y dirigida por Adam Grossman, que poco tenía que ver con la película original.
Sinopsis: La acción arranca en una pequeña localidad estadounidense, en la que un grupo de muchachos reta a unas chicas a una peligrosa carrera de coches. Mientras se hallan atravesando un puente de madera, el auto de las chicas se precipita al río Kansas y es tragado por las aguas. Cuando parece que no hay esperanza de encontrarlas con vida, una de ellas, Mary (Candace Hilligoss), consigue alcanzar la orilla en estado de shock.Tras esa traumática experiencia, la vida de Mary no volverá a a ser la misma. Durante el viaje a Salt Lake City, donde ha sido contratada como organista de iglesia, la protagonista comienza a sentir una extraña presencia que la persigue. Rostros cadavéricos la acechan desde las sombras, siniestras apariciones que parecen vinculadas a un edificio abandonado situado en las afueras, un antiguo parque de atracciones que se alza solitario en medio del desierto. Aterrorizada a la vez que atraída por ese siniestro lugar, la protagonista comenzará a sentirse cada vez más desvinculada de la realidad.
"¿Quién soy y qué sería de mí si estuviera muerto? ¿Seguiría teniendo una identidad?. El terror del estar solo, la posibilidad de que después de la muerte acabes encontrándote en una especie de tierra de nadie... ese miedo es universal y hace que nuestra imaginación se ponga a funcionar y que la conecte con tus propios temores. Tu imaginación es capaz de asustarte mucho más que cualquier efecto especial de Hollywood. Carnival of Souls utiliza los temores que todos llevamos dentro." (Candace Hilligoss)
"El Onanista Perturbado" (2014) de Georgina Zanardi.
La multifacética Georgina Zanardi es voluntaria en el jardín botánico, realiza graffitis, murales, efectos especiales y es la directora de esta maravillosa bizarra locura. También tiene una productora llamada Mondo Lila Producciones. En sus películas trata temas como la violencia, el sexo, el amor, la venganza y los zombis. Los personajes de sus filmes pueden convertirse en esos seres putrefactos caminantes debido a una mordedura de perro rabioso ("La noche de los perros de mierda", 2012), por medio de la magia negra ("Hijos de puta por elección", 2013) o a través de una fallida "poción de amor" ("El onanista perturbado", 2014) convirtiendo a los que la ingieren en una especie de zombis sexuales al estilo de David Cronenberg en "Shivers" (1975). Con una temática más seria realizó el documental "Botánicos" (2014) en el cual retrata la problemática de los gatos abandonados en el jardín botánico. También hizo una serie para la web de doce capítulos que derivó de su primer largometraje "Hijos de puta por elección". De su último opus cabe destacar las geniales actuaciones de Vic Cicuta como el cura desquiciado, Chevy De La Torre y Paul Divano como los motoqueros libidinosos y homosexuales, Fabián Pollo Moreno como el pajero y sexópata coordinador del grupo de adictos al sexo, y el gran Ramón Cuchillo Caribe como el onanista perturbado que menciona el título. Mención aparte merecen los efectos especiales artesanales como los animatronics del gato zombi o el de la poronga del onanista. Sinopsis: Jero (Ramón Cuchillo Caribe) es un adicto al sexo y a la masturbación que, debido a una alerta de su propio cuerpo ante tanto exceso, recurre a un grupo de adictos al sexo para poder superar su problema. Luego de diversas situaciones pícarescas, Jero se da cuenta de que el grupo no le sirve y busca alivio en un convento, donde deberá enfrentarse a otro tipo de demomonios.
Al comienzo la película pareciera ser una libre adaptación de una de las novelas más pedorras del gran escritor norteamericano Stephen King. Me refiero obviamente a "El ciclo del hombre lobo" que originalmente iba a formar parte de un calendario con temática sobre los licántropos. El proyecto no prosperó y luego fue publicado en 1983 en formato de novela junto a las ilustraciones del renombrado artista de comic Bernie Wrightson. El libro tuvo una adaptación al cine en 1985 con la película "Silver Bullet" de Daniel Attias y guión del propio King. Volviendo al film de Bogliano, la historia transcurre en una zona residencial de un pueblito alejado que linda con el bosque, en el cual ocurren varios crímenes sin resolver (al igual que Traker's Millsen la novela de King). El protagonista Ambrose (Nick Damici) es un veterano de guerra de Vietnam ciego que se muda allí para vivir los últimos años de su vida. En la novela el protagonista es un niño en silla de ruedas. Sí, ambos protagonistas tienen una discapacidad. Pero las similitudes no acaban ahí. Otro punto en común es que el principal sospechoso de los asesinatos sea un cura y que haya un personaje con un parche en el ojo. Igualmente el director reconoció que el guionista del film (Eric Stolze) es un fan de Stephen King y que su película favorita de licántropos era "Silver Bullet". Por suerte, para el final la película toma su propio rumbo y le da una vuelta de tuerca a la historia, yendo por el lado de "The Howling" (1981) de Joe Dante. Los efectos especiales a cargo de Robert Kurtzman están muy buenos sin tanto CGI, eso es algo para agradecer. La música de Wojciech Golczewski es muy inquietante y las actuaciones son más que correctas. Destacando la actuación principal de Nick Damici que está excelente. Antes que el libro o "Silver Bullet" recomiendo que vean "Late Phases". Película nuy entretenida. Pero si lo que buscan es una buena película de hombres lobos les recomiendo "The Howling", "An American Werewolf in London" (1981) de John Landis o "Wolfen" (1981) de Michael Wadleigh.
"Axe Giant: The Wrath of Paul Bunyan" (2013) de Gary Jones.
No es para todo el mundo. Película que de tan mala y ridícula resulta divertida y entretenida. Con flojas actuaciones, personajes estereotipados, un guión bastante digno, la canción del final (la balada de Paul Bunyan) que resume la película es excelente y los efectos especiales son muy regulares. Esto llama la atención debido a que Robert Kurtzman está involucrado en ellos, incluso produce el film. Vale reconocer que el diseño del gigante es muy bueno.
Sinopsis: Los chicos del campamento para delincuentes primerizos descubren que la simpática leyenda del leñador Paul Bunyan es real, pero es mucho más horrible de lo que habían imaginado. Sin quererlo, desatan la ira del gigante monstruoso de 15 pies, que fue desterrado de la ciudad hace 100 años y se pensaba que estaba muerto. Ahora el leñador Paul vuelve para vengarse.
Sobre la saga "La venganza de los nerds". Desde mi infancia que no veía una película de esta saga y siempre pensé que había una de ellas que estaba realmente buena. Pero no es así. Todas tienen sus altibajos, pero lo que vale son los finales por ser los más tiernos al promover los valores de la igualdad de todos y eso es lo más logrado. La primera ("Revenge of the Nerds" de Jeff Kanew, 1984) tiene el genial discurso de Lewis (Robert Carradine) con la canción de Queen "We are the champions" de fondo y es de lo más emotivo.
La segunda ("Revenge of the Nerds II: Nerds in Paradise" de Joe Roth, 1987) tiene la conversión del personaje matón de Ogro (Donald Gibb) en un nerd (que era lo que más odiaba del mundo debido a la convención social en la cual se había criado).
La tercera ("Revenge of the Nerds III: The Next Generation" de Roland Mesa, 1992) nos muestra al villano Stan Gable (Ted McGinley) de la primer película salvando a Lewis en un juicio por fraude (en el cual fue injustamente acusado) y admitiendo que todos tenemos un nerd dentro nuestro, para finalmente unirse a ellos.
Por último, en la cuarta película que fue hecha para la televisión ("Revenge of the Nerds IV: Nerds in Love" de Steve Zacharias, 1994), se nos muestra la boda de Booger (Curtis Armstrong) en la que es aceptado por sus suegros (que eran "nuevos ricos") porque se dan cuenta que los nerds eran mejores personas que todos los interesados por su dinero que los rodeaban. Lamentablemente ya no se hacen comedias así que promuevan los buenos valores. Por eso se recomienda el visionada de esta saga para poder disfrutar las aventuras de estos maravillosos nerds.
